Un día, Emma Coats, artista de storyboard de Pixar, subió a twitter las 22 reglas del storytelling de Pixar. Literautas las tradujo al español y las compiló.
Y me enfado un poquito con ellos porque esta la tradujeron mal. Vamos a darle caña a una de las más largas de todas las reglas de Pixar.
Regla número 16: ¿Qué es lo que está en juego? Danos una razón para ponernos de parte del personaje. ¿Qué ocurre si no tiene éxito? Haz que tenga muchas probabilidades en contra.
Desde que me atreví a entrar en uno de los blogs ingleses sobre escritura favoritos de Gabriella Campbell, TerribleMinds (del cual hice una traducción hace poco, es el blog de Chuck Wendig), he aprendido algunas cosas de storytelling. También le he dado la importancia que se merecía a cosas que ya sabía, como esta regla.
Los personajes deben tener un objetivo para estar bien construidos, porque prácticamente todos los seres humanos tenemos uno de esos, un impulso que nos levanta cada día. Sin embargo, esto es muy diferente. Esto es algo que tiene que tener la historia para que nosotros, como público, nos sumerjamos en ella a través del apoyo al protagonista.
¿Qué es lo que está en juego?
Es una pregunta que implica un peligro inminente. Es una pregunta vital, y los lectores necesitamos conocer la respuesta. ¿Pero por qué es tan importante?
Los seres humanos estamos hechos para buscar el placer y evitar el dolor (unos más una cosa que la otra), y sobre todo, para temer la pérdida. Esta apuesta, este “lo que está en juego” implica el peligro inminente de la pérdida de algo querido para el personaje. Ya puede ser para conservarlo, como le pasa a Woody en Toy Story, o para recuperarlo, como le pasa a Martin en Buscando a Nemo.
Por nuestra empatía, nos aliaremos con alguien que esté luchando para evitar la pérdida, igual que lo haríamos con alguien que intenta evitar el dolor (normalmente la muerte) o buscar el placer (normalmente, alcanzar sus metas). La apuesta nos explicita lo que está en juego.
Danos una razón para ponernos de parte del personaje
¿Por qué le importa al personaje perder eso? Necesitas que nos importe a nosotros, como público, y eso se hace a través del personaje. Tienes que hacer que conectemos con el personaje a través de la posible pérdida. Esto se consigue haciendo que el público comprenda el valor de lo que está en juego; y hay dos formas de hacer eso.
Está la forma sencilla, que es utilizar una pérdida universal, que todos entendemos por ser personas normales y estar vivas. Cosas como la muerte, la destrucción del mundo, el rechazo, etc. Dentro de esta forma sencilla hay grados y grados, la destrucción del mundo es casi una excusa para tener algo en juego, mientras que la pérdida de la persona en la que uno más confía es una buena apuesta porque es más personal.
Y luego está la forma complicada, que es utilizar una pérdida única y personal. Algo que el personaje necesita pero que no todo el mundo puede entender. Es la forma complicada porque es cuestión del escritor que el público acabe entendiendo el valor que tiene para el personaje. Es más, a veces puede que al principio tampoco sea importante para el personaje, y según vamos recorriendo el mismo camino con él, personaje y público se dan cuenta de lo que está en juego, poco a poco.
Si se hace bien, esta apuesta añade tensión a la historia.
Y aquí viene un inciso que quiero hacer: Muchas veces el público no se siente unido a los personajes porque no tienen la sensación de que importe mucho. Si al final siempre van a triunfar y salir victoriosos, ¿qué más da? No hay tensión, aunque en la historia digan que sí (típico argumento de “oh, soy maloso y voy a destruir el mundo”, a todos nos importa muy poco porque sabemos que no lo va a conseguir). No hay nada en juego.
En primer lugar, tiene que haber algo en juego. Y más importante, en segundo lugar, el público tiene que sentir que de verdad hay algo en juego.
¿Qué sucede si falla?
Una de las razones por las que el grimdark, el noire, y todas esas historias de un realismo más crudo conectan con el público es porque son muy buenas mostrando qué es lo que ocurre si se falla. Y más importante aún: demuestran que hay una posibilidad real de fallar.
Hay algo vital en juego, y quizás el personaje lo pierda para siempre.
Muchos podrían pensar que en Pixar no pasan estas cosas, que las cosas siempre acaban bien en sus películas. Pero quiero poneros un ejemplo concreto: Buscando a Nemo.
Buscando a Nemo abre con una escena brutal. Nos muestra que es lo que sucede si falla, nos muestra el dolor de la pérdida. Es una escena que le deja a uno con un nudo en el cuello. Es una escena que nos muestra que los guionistas ya lo han hecho una vez, y que pueden volverlo a hacer. La amenaza que venga será real.
Por eso, la primera vez que vi la escena de la red de pesca en Buscando a Nemo, sentí esa tensión. Porque sí, Marlin ha encontrado a Nemo, y Nemo puede escapar de la red. Marlin ha conseguido lo que buscaba, pero…
¿Cuánto está dispuesto a pagar por ello? No la vida de Dory, y en ese momento, es la vida de Dory la que estaba en juego.
Con esto quiero incluir un apartado que no está en el consejo original.
Si, a veces se gana… ¿Pero a qué precio?
¿Cuánto está dispuesto a sacrificar el personaje para evitar esa pérdida? Ya hablamos de algo parecido en una entrega anterior. Poner un precio alto a esa victoria es una buena manera de poner tensión en una historia: ¿Estará dispuesto a pagar el precio?
Un precio alto es una de las muchas formas de poner las probabilidades en contra del personaje.
La clave está en hacernos creer que no lo logrará. Si consigues que tu público crea que es imposible, que de verdad crea que el personaje no puede evitar la pérdida, que no puede vencer, conseguirás que se asombre, que se emocione cuando, contra todo pronóstico, el personaje venza.
¡Todas las reglas de Pixar!
Regla 2: Métete en la cabeza de tu público
Regla 3: Busca el tema al final
Regla 4: Usa la estructura universal
Regla 6: Desafía a tus personajes
Reglas 8 y 9: Aprende a terminar – Aprende de lo que no quieres
Regla 10: Analiza las historias que te gustan
Reglas 11 y 12: Escribe tus ideas – Sorpréndete
Regla 13: Haz que tus personajes tengan opiniones
Regla 14: Busca el corazón de tu historia
Regla 16: ¿Qué es lo que está en juego?
Reglas 17 y 18: No tengas miedo a equivocarte – Conócete a ti mismo
Reglas 20 y 21: Analiza las historias que no te gustan – Identifícate con tus personajes
lecturonauta.wordpress.com 
Gracias, de nuevo, por la disección que haces de estas reglas.
Se me ocurrió aplicar los conceptos que propones en forma de cuatro preguntas a un relato mío, tratando de contestar con una sola frase. E inmediatamente después lo hice con «El Lazarillo de Tormes». Y descubrí porqué el Lazarillo es una obra maestra universal y el mío no —aún ;)—
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Bueno, para que una obra sea universal tiene que tener algo más que esto, pero para que guste y te sientas conectado con el personaje, sí que influye que responda bien a estas preguntas.
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